Surnommée dans la presse « exposition du vandalisme allemand » ou encore « musée des atrocités allemandes », l’exposition a pour objectif explicite de dénoncer la barbarie allemande, comme l’exprime l’avant-propos du catalogue : « La vision de ces grandes misères des contrées où a passé l’ennemi entretiendra-t-elle contre lui l’implacable haine nécessaire. » Les œuvres présentées apparaissent comme des preuves tangibles de la volonté ennemie de détruire l’âme de la culture française, mais aussi comme des pièces à conviction pour de futurs procès. Le discours se déploie sur deux registres : d’un côté, la France martyrisée par la guerre, incarnée par son patrimoine ; de l’autre, la France héroïque qui reconquiert, défend et sauve ce patrimoine, comme en témoigne l’exposition. L’exposition a également pour vocation de convaincre les pays neutres de la légitimité de la France à se défendre contre la barbarie allemande, dont les effets sont soigneusement scénographiés.

Les œuvres et objets sont présentés selon un parcours méthodiquement tracé. Le visiteur suit symboliquement la ligne de front, de Dunkerque dans le Nord jusqu’à Thann en Alsace, pour terminer dans une salle à la mise en scène dramatique consacrée à Verdun, dont la bataille se poursuit depuis près d’un an. Les sites emblématiques comme Reims, Arras ou Verdun occupent une place centrale dans le plan de l’exposition. Certains objets, tels que le lion du beffroi d’Arras, la Pietà de l’église de Souain, les tapisseries de Reims ou les boiseries de Verdun, forment les « clous » de l’exposition, présentés comme autant de preuves matérielles de l’infamie allemande. L’avant-propos du catalogue de l’exposition précise : « Si tous les monuments, tous les chefs d’œuvre d’architecture allaient au diable, a dit le général Von Disfurth, cela nous serait parfaitement égal… On nous traite de barbares ? Qu’importe ? Nous en rions. »

L’exposition confère aux objets un statut de victimes : sculptures et fragments architecturaux sont assimilés à des êtres humains blessés. Cette personnification vise à susciter l’empathie et l’indignation des visiteurs. La mise en scène des fragments corporels est particulièrement soignée. Ici la tête de saint Tarcisius, réalisée par Alexandre Falguière, est isolée dans une vitrine, sur un socle couvert de velours, au pied duquel sont posés d’autres fragments évoquant des restes humains déchiquetés. L’usage de la photographie apposée sur le socle vient renforcer cette mise en scène en montrant des clichés des sculptures « avant » et « après » détérioration. Ce procédé confère aux œuvres exposées la capacité d’exprimer ce qu’elles ne montrent pas directement : la violence et l’horreur de la guerre.

Cette sculpture champenoise du XVIᵉ siècle y apparait très abimée. Le Christ a perdu son bras droit, emporté par un éclat d’obus, et la vierge apparait décapitée. En réalité, elle a perdu sa tête bien avant la guerre. Celle-ci se trouvait dans l’église lors du bombardement, mais cette information est passée sous silence dans le catalogue (une brochure qui sert de guide aux visiteurs), permettant à la presse d’exploiter cette image comme une preuve extrême de la barbarie allemande.